SHESTAYA live @ LIVE CINEMA FESTIVAL, Rome IT – september 9th 2015 – FULL CONCERT

Chapter II: SYMFONIYA DONBASSA (Symphony of Donbass), 1930

SHESTAYA è un esperimento di sonorizzazione dal vivo ed un lavoro di ricerca sulla cinematografia del grande regista russo DZIGA VERTOV (1896-1954). Ispirata dall’ implacabile cineocchio di Vertov e dalla sua costante ricerca di una verità filmica, Shestaya è una combinazione sonora di beats, ambient, field recording e improvvisazione. Una suite contemporanea alla riscoperta di tre capolavori che stanno alla radice del moderno documentario, andando oltre le contraddizioni dei loro propositi propagandistici, in un viaggio senza tempo tra i popoli, il lavoro, le facce e l’alienazione dell’Unione Sovietica degli anni ’20. Un vivo dialogo tra vecchie immagini e nuovi suoni.

Chapter III: Kinoglaz, 1924

SHESTAYA is an experiment in live soundtracks and a research work on the cinematography of the great Russian director DZIGA VERTOV (1896-1954). Inspired by the unrestrainable Vertov’s cine-eye and by his constant search for a film-truth, Shestaya sounds like a combination of beats, ambient, field recording and improvisation. A contemporary suite to rediscover three masterpieces that stand at the very roots of modern documentary, looking beyond the contradictions of their propaganda purposes, on a timeless journey through people, works, faces, and alienated life in the Soviet twenties. A vivid dialogue between old images and new sounds.

Chapter I: SHESTAYA CHAST MIRA (The Sixth Part of the World), 1926



Universitas III, Copertino (LE)
Cave di Isola, Firenze
Live Cinema Festival, Roma
Video Sound Art Festival, Milano

Dio Drone Fest, Firenze
CiCi Film Festival, Castellammare del Golfo, Sicilia
Kafka #06, Milano
Greentech Festival, Pisa
Robot Paths @ Kinodromo, Bologna

Elita Festival Preview, Milano

Alterazioni Festival 2011 – Arcidosso
Release 01 – Teatro Il Moderno, Agliana
Fabbrica Europa – Stazione Leopolda, Firenze
Nufest – Antenna Lab, Padova


WoMa – Web of Modern Art – 21/07/2015  Of music and art. A talk with Matteo Bennici

Dynamic. Captivating. Sublime. Matteo Bennici’s performance at VideoSoundArt Festival was the perfect marriage between music and art.

How did you start this path that led you to work on soundtracks for movies and theatre?

The relationship between music, sound and visual or performing arts has always fascinated me since my adolescence and still represents a field of continuous experimentation for me. I’ve always loved the cinema, theater, painting and sculpture, and have always tried to find points of union between these arts and my music.

All began when I started attending the theatre group in high school, in the late ’90s: I worked on soundtracks and composed original music for small shows, recording and producing all in house with musician friends. The passion then grew and I deepened the technical aspects of sound, later becoming a professional sound engineer.

Since then I have composed and produced original music and sound designs for movies, documentaries and videos of all kinds, but, above all, I continued to work with my music on theater productions, of dance and performance. The theater is my utmost love outside music, as well as being a dimension of research and artistic experience.

Demonstrating so far incredible multifaceted skills, what direction do you think your music and art will take? 

Like for many other musicians, it is equally important for me to engage in different things, challenge myself in various fields, and change path before returning to an already covered one. This brings me to live professional and artistic ‘seasons’, also in very different fields. The key thing for me is the collaboration with other artists, it is what constantly fuels my journey and it is also my school, since I am a self-taught musician and composer.

I’m currently working on my first solo album that will hopefully be ready in the oncoming winter and includes about three years of work on my instrumental music, which is heavily influenced by the world of soundtracks, with the cello as the central thread. It’s also a further challenge that to do everything myself, to play different instruments and to produce sounds that will carry my name only.

Why the choice of Dziga Vertov in your project Shestaya?

The reasons behind the choice of Vertov are manifold: his story as experimenter, the extreme beauty and bluntness of his photographic journeys, the incredible speed of the filming, the ability to convey messages through pure cinematic techniques. All this is magnetic to me, profoundly inspires me and moves me.

I discovered Vertov‘s movies in the same way I found out a little of everything in life: via reading, listening, as well as following the branchings of cultures and subcultures, almost always under the suggestions of others. When I was 20, I was playing in an experimental rock band named Traumfabrick: the attitude was just the same as that of live soundtracks of movies, performances, live comics, and all this allowed me to get closer to the classics of silent film as Murnau, Wegener and, of course, Vertov. I have also been much influenced by the live soundtrack works of Gary Lucas, Bill Frisell and Cinematic Orchestra, who all dealt with Vertov too.

So I studied and read his diary (The Eye of the Revolution), and discovered his fascinating and sad artistic parabola. Dziga has become one of my art ‘heroes’ and I started bearing the idea of ​​developing a specific project with my own instruments. The opportunity came in 2011, when two Italian festivals (NuFest and Factory Europe) commissioned me – almost simultaneously – on an original soundtrack, and from that Shestaya was born. Initially, it was just an extract from Shestaya Chast Mira (A sixth of the world) of 1926, then in the following three years I added two more excerpts from the movie Symphony of Donbass and Kinoglaz, and it came to be what is now Shestaya.

I believe the choice of producing soundtracks for Vertov’s silent films is ambitious and not free of obstacles. What are the processes of musical interpretation?

From the very beginning, I held as my primary objective that to work on the original film editing, on the rhythmic flow of Vertov‘s movies. This is because I intended to respect as much as possible his work and that of his wife Elisaveta Svilova – the editor of the entire Kinoki work – without exploiting the images in my favor, nor turning them into ‘visual’ contours of my music, but developing instead a specific cine-musical path of study and research, where Vertov‘s eye was the absolute protagonist. At the same time, I got carried away by the swirling musicality of the images that offer continuous insights, analogies and antitheses, and themselves generate a rhythmic flow, which is the fulcrum of Shestaya too.

It was a long and at times complex process, in which I took a fair amount of freedom of interpretation, not much in regard to the movie’s meaning, but rather to the sound solutions that I adopted, because I wanted my music to be an active element. In strictly musical terms, I worked mainly on the rhythm, my rhythm, which isn’t always that of Dziga Vertov: the art (and craft) of soundtrack should create complex relationships with the image and not flatten it, nor ‘accompany’ it as you would do with an old lady! The visual and sound levels in Shestaya at times travel in parallel, at others diverge and intersect; the same applies to the political, cultural and aesthetic instances of Vertov‘s movies. In Shestaya, music and images have two things in common: the rhythm and a special view of the world (and of humanity) that captures the poetry of reality and not of its artificial representation.

How do you cross the propagandistic borders of his movies through your music? What does your music have in common with and how does it differ from Vertov’s filmic truth?

This really is a fundamental point. As known, Dziga Vertov produced many film-news and some of his most famous movies were made within the Leninist propaganda film projects – as Vertov himself writes – it can be said that this form of propaganda started with the Kinoki. But anyone who has studied the history of Soviet cinema knows that the propaganda of the Kinoki moved on tracks of extreme experimentation, provocation and subversion of the bourgeois thought: the October Revolution on one hand and the Russian Futurism on the other, led artists and intellectuals to relate to power instead of moving away from it, and looked to art as an opportunity to talk to the people with new words, not necessarily simple words, but understandable and innovative still.

Vertov did the same through images in motion and film editing, and had developed an extremely personal vision of how reality could be photographed and shown to the people. He worked with enthusiasm for Lenin, but his movies always ended up yielding a bewildering reality, probably because that was the reality! So that cinema – intended as propaganda – failed and with it Vertov’s career too, who luckily had the time to leave us a masterpiece like The Man with the movie camera.

Today, that political message is strongly anachronistic to us and on my part, there’s no such feeling as nostalgia for all this. I’m still, however, convinced that the form conveying that message is very modern because it is fast, fragmentary and subliminal, similar to the media bombardment that dominates the world nowadays. In this sense, mine is a work on the contemporary and, as such, it refers to the past in order to break with it. Furthermore, Dziga Vertov‘s look on the human being and his relationship with the painful but necessary work, is among the deepest, richest ever offered to the world: it transcends the ages, ideologies and nostalgia of any kind because – more than showing – it helps to look at reality.


Come hai iniziato questo percorso che ti ha portato ad occuparti della sonorizzazione per film e teatro?

Il rapporto tra musica, suono ed arti visive o performative mi appassiona fin dall’adolescenza ed è tuttora un campo di sperimentazione continuo per me. Ho sempre amato il cinema, il teatro, la pittura e la scultura e ho sempre cercato spunti di unione tra queste arti e la mia musica.
Ho iniziato quando ero al liceo alla fine degli anni ’90, frequentando il gruppo teatrale della mia scuola: mi occupavo della sonorizzazione e componevo musiche originali per piccoli spettacoli, registrando e producendo tutto in casa con amici musicisti. Poi la passione è cresciuta ed ho approfondito gli aspetti tecnici del suono, diventando un fonico professionista.
Da allora ho composto e prodotto musiche e sound design originali per film, documentari e video di ogni tipo, ma soprattutto ho continuato a collaborare con la mia musica a produzioni teatrali, di danza e performance. Il teatro resta la mia prima passione extra-musicale, oltre ad essere un luogo di ricerca e di esperienza artistica.
Dimostrando fino ad ora capacità poliedriche, quale direzione pensi prenderà la tua attività musicale e artistica? (verso ambiti più teatrali, cinematografici, sperimentali o audiovisivi?)

Come per molti musicisti, anche per me è importante impegnarmi in cose diverse, mettermi alla prova in vari ambiti, cambiare strada per poi tornare su una già percorsa in precedenza. Questo mi porta a vivere delle ‘stagioni’ professionali ed artistiche anche in campi assai diversi. Ad esempio nell’ultimo anno ho fatto colonne sonore, sono stato in tour con artisti e band, registrato dischi e molto altro. La cosa fondamentale per me è collaborazione con altri artisti, è ciò che alimenta costantemente il mio percorso ed è anche la mia scuola, dato che sono un musicista e compositore autodidatta.
Al momento sto lavorando sul mio primo album solista che -spero- vedrà la luce nel prossimo inverno e che raccoglie circa tre anni di lavoro sulla mia musica strumentale, molto influenzata dal mondo delle colonne sonore e con il violoncello come filo conduttore. Si tratta anche di una sfida ulteriore a fare tutto da solo, suonare diversi strumenti, produrre un sound che porti il mio solo nome.
Tuttavia mi risulta impossibile fare una sola cosa per volta e quindi sono già al lavoro per nuove produzioni e collaborazioni.
Perché la scelta di Dziga Vertov nel tuo progetto Shestaya?

I motivi della scelta di Vertov sono molteplici: la sua storia di sperimentatore, l’estrema bellezza e crudezza dei suoi viaggi fotografici, la velocità incredibile del montaggio, la capacità di veicolare messaggi con la pura tecnica cinematografica. Tutto questo per me è magnetico, mi ispira moltissimo, mi commuove e mi diverte.
Ho scoperto i film di Vertov come ho scoperto un po’ tutto nella vita: leggendo, ascoltando, seguendo le ramificazioni delle culture e delle subculture, quasi sempre attraverso i suggerimenti di altre persone. Quando avevo 20 anni suonavo in un gruppo di rock sperimentale di nome Traumfabrick: l’attitudine era proprio quella della sonorizzazione dal vivo di film, di performance, di live comics e ciò mi ha permesso di avvicinarmi ai classici del cinema muto come Murnau, Wegener e, appunto, Vertov. Sono anche stato molto influenzato dai lavori di live soundtrack di Gary Lucas, Bill Frisell e Cinematic Orchestra, che hanno affrontato proprio Vertov.
Quindi ho approfondito, ho letto il suo diario (L’Occhio della Rivoluzione, curato in italiano da Pietro Montani) ed ho scoperto la sua affascinante e triste parabola artistica. Dziga è entrato a far parte dei miei artisti ‘eroi’ ed ho iniziato a cullare l’idea di sviluppare un progetto specifico con i miei strumenti. L’occasione è arrivata nel 2011 quando due festival italiani (NuFest e Fabbrica Europa) mi hanno commissionato – quasi contemporaneamente – una sonorizzazione inedita, e così è nato Shestaya. Inizialmente si trattava solo di un estratto da Shestaya Chast Mira (Un sesto del mondo) del 1926 (da cui il nome Shestaya). Nei tre anni successivi ho aggiunto altri due estratti dai film Sinfonia del Donbass e Kinoglaz, arrivando a ciò che è Shestaya adesso.Credo che la scelta di sonorizzare i film muti di Vertov sia ambiziosa e non senza ostacoli. Quali sono i processi di interpretazione musicale? 

Fin dall’inizio mi sono posto come obiettivo primario quello di lavorare sul montaggio originale, sul flusso ritmico dei film di Vertov. Questo perchè intendevo rispettare il più possibile la sua opera e quella della moglie Elisaveta Svilova – montarice dell’intera opera dei Kinoki – senza sfruttare le immagini a mio favore, senza trasformarle in ‘visual’ di contorno alla mia musica ma al contrario sviluppando un percorso di studio e di ricerca cinemusicale specifica, in cui il l’occhio di Vertov fosse assolutamente protagonista.
Allo stesso tempo mi sono lasciato trasportare dalla vorticosa musicalità delle immagini, che offrono continui spunti, analogie ed antitesi e generano essi stessi un flusso ritmico, che poi è il fulcro di Shestaya.
Si è trattato di un processo lungo e a tratti complesso, in cui però mi sono preso una buona dose di libertà interpretativa, non tanto rispetto ai significati dei film ma piuttosto alle soluzioni sonore che ho adottato, perchè volevo che la mia musica fosse un elemento attivo. In termini più strettamente musicali, ho lavorato soprattutto sul ritmo, sul mio ritmo che non sempre è quello Dziga Vertov: l’arte (ed il mestiere) della colonna sonora devono creare relazioni complesse con l’immagine e non appiattirla nè tantomeno ‘accompagnarla’ come si fa con un’ anziana signora! I livelli visivo e sonoro in Shestaya viaggiano ora paralleli, ora divergo, ora invece s’incrociano e lo stesso vale per le istanze politiche, estetiche e culturali dei film di Vertov. In Shestaya musica ed immagini hanno in comune due cose fondamentali: il ritmo ed una speciale visione del mondo (e dell’umano) che coglie la poesia nella realtà e non nella sua artificiale rappresentazione.
In che modo cerchi di varcare i confini propagandistici dei suoi film attraverso la tua musica? Cosa ha in comune e di diverso la tua musica con la verità filmica di Vertov?

Questo è davvero un punto fondamentale. Come è noto, Dziga Vertov produsse molti cinegiornali ed alcuni dei suoi film più noti furono realizzati all’interno del progetto di propaganda cinematografica leninista e -come scrive lo stesso Vertov- si può affermare che tale modalità propagandistica abbia avuto inizio proprio con i Kinoki. Ma chiunque abbia approfondito la storia del cinema sovietico sa bene che la propaganda dei Kinoki si muoveva su binari di estrema sperimentazione, di provocazione e di sovversione del pensiero borghese: la Rivoluzione d’Ottobre da un lato ed il Futurismo russo dall’altro avevano portato artisti ed intellettuali a relazionarsi con il potere anzichè allontanarsi da esso e si guardava all’arte come l’opportunità di parlare al popolo con parole nuove, non necessariamente con parole semplici ma comunque comprensibili ed innovative.

Vertov faceva altrettanto attraverso immagini in movimento e montaggio ed avava sviluppato una personalissima visione di come la realtà potesse essere fotografata e mostrata al popolo. Egli lavorò con entusiasmo per Lenin ma i suoi film finivano sempre per restiture una realtà a tratti sconcertante, probabilmente perchè quella era la realtà! Così quel cinema -inteso come propaganda – fallì e con lui anche la carriera di Vertov che, fortunatamente ebbe la tempo per lasciarci un capolavoro come L’Uomo con la macchina da presa.
Per noi, oggi, quel messaggio politico è fortemente anacronistico e da parte mia non c’è alcun sentimento nostalgico per tutto questo. Resto però convinto che la forma che veicola quel messaggio sia molto attuale perchè è velocissima, frammentaria e subliminale, del tutto simile al bombardamento mediatico che domina il mondo attuale. In questo senso il mio è un lavoro sul contemporaneo e, in quanto tale, si riferisce al passato per rompere con esso. Inoltre quello di Dziga Vertov è senza dubbio uno sguardo all’essere umano e al suo rapporto doloroso ma necessario con il lavoro tra i più intensi e profondi mai offerti al mondo: trascende le epoche, le ideologie e le nostalgie di qualsiasi tipo perchè – più che mostrare-  aiuta a guardare la realtà.



Matteo Bennici, classe 1978, fa un pò di tutto nella vita: è per prima cosa un musicista di violoncello (strumento che viene usato all’interno del suo progetto Shestaya) e un compositore, è proprietario degli studi di registrazione Mobsoundtrack di Milano e membro di alcuni gruppi dediti a sperimentazioni sonore come Squarcicatrici (bassita in questo caso) o a del proto-punk come gli Inner Scent e per coronare il tutto è il fonico live ufficiale dei Fine Before You Came. Mica male! In questa sede tuttavia, tra i molti progetti nei quali è impegnato, vorremmo soffermarci su di uno in particolare: Shestaya.  Quest’ultimo ha dalla sua, sicuramente, il fatto di essere quello più “elettronico” di tutti e, avendo avuto il piacere di assaporarlo live, ho in mente con chiarezza le sue speciali qualità artistiche. La coraggiosa proposta vede il solo Matteo destreggiarsi tra il suo inseparabile violoncello e la “consolle”, fatta di synth e loopstation, per creare una tempesta sonora fatta di ambient beats, elettronica di stampo Warp Rec e “dubstep” delle più raffinate. Tutti gli ingredienti per andare a decorare il piatto principale,  la sonorizzazione di vecchi film muti dell’epoca sovietica che mostrano la macchina del collettivismo comunista in pieno moto meccanico. Le immagini in bianco e nero proiettate sullo sfondo si amalgamano con la musica e con le parole, vecchi slogan e una certa angoscia suscitata nello spettatore. Il contesto nel quale ci si gusta la performance è fondamentale: quella sera a Macao fu pressochè perfetto; buio e ombre, il fumo di qualsiasi cosa si stesse fumando, il freddo pavimento come sola base di appoggio, quell’aria da occupazione scolastica e il silenzio di chi fatica a capire tutto alla prima batuta hanno reso il live un’esperienza forte, intensa e assolutamnte da replicare.



20 maggio 2011 —  La Repubblica FIRENZE

“C’ È UNA Firenze giovane che lavora sodo e crea. Un mondo di dj, vj, musicisti, producer, videomaker, artisti, dancer e performer che non chiede regali. Ma si domanda perché la città non collabora a fare di quella creatività un vero lavoro per loro, un valore aggiunto – che sarebbe ovvio vista l’ origine culturale dell’ economia locale – per Firenze. E stando così le cose, hanno iniziato a fare da soli: è nato così Switch Project, l’ attivissimo social network creativo che oggi e domani alla Leopolda festeggia i suoi primi 5 anni di ideazione-produzione di eventi e progetti. Una festa con due ospiti inglesi di riguardo: oggi il dj e producer J Star, mago del mash up (la tecnica di comporre brani con pezzi di altri brani), domani Benji Boko, con i suoi show di torrido funk a metà fra live e dj set. Prima di loro il meglio della scena fiorentina, a partire da Matteo Bennici che, seguito dal lanciatissimo collettivo Sensi Cellar, quattro 19enni pazzi di reggae e dub, apre oggi le danze con la sonorizzazione dal vivo di un capolavoro del muto sovietico, La sesta parte del mondo di Dziga Vertov (domani prima la ricerca del duo The Unstaticism Sequences, poi dj Craim). 33 anni, violoncellista e bassista rock e jazz, famiglia di musicisti (lo zio Aldo, violista,è stato storico direttore artistico dell’ Ort, da anni lo è alla Chigiana, la sorella Sara violoncellista classica), sound designer in teatro, una passione sfrenata per cinema e colonne sonore, Bennici da tempo fonde i suoi due amori fou. E dopo Murnau, Wiene e Wegener ha rivolto la sua ricerca sul rapporto suono-immagine (che sta puntando anche su film contemporanei) ai ritmi vorticosi della camera di Vertov: «Il mio è un lavoro molto rispettoso delle immagini originali. Sono le acrobazie di Vertov, l’ irrefrenabile dinamismo del suo sguardo e montaggio che dettano il ritmo e le pause. La musica che gli ho immaginato intorno si avvale di materiali preparati, montati però dal vivo con parti improvvisate, utilizzando elettronica, basso e campioni che si ripetono come un filo rosso nella trama dei suoni”PAOLO RUSSO